마스터클래스

[특강] 쿠리타 토요미치 촬영 마스터클래스 개최안내

Fri, 07 Sep 2018 09:57:02 +0900

쿠리타 토요미치 촬영 마스터클래스 개최안내 ■ 일시 : 2018년 9월 11일 13:00 ~ 18:00 ■ 장소 : 영화콘텐츠전문대학원 기술시사실(글로컬산학협력관 508호) ■ 대상 : 영화콘텐츠전문대학원 재학생과 졸업생, 학부 영화 전공 학생 ■ 담당교수 : 박기용 ■ 제목 : 연출자를 위한 촬영 마스터클래스 ■ 내용 연출자들이 알아야 하는 촬영에 관한 개념들을 지난 30여년간 일본과 미국을 오가며 할리우드 영화에서부터 저예산 독립영화까지 다양한 영화의 촬영감독으로 활약한 쿠리타 토요미치 촬영감독에게서 배운다. ■ 준비 <포춘쿠키, 1999, 로버트 알트먼>, <고하토, 1999, 오시마 나기사> 두 작품의 촬영을 중심으로 강의와 질의응답으로 진행

토니 레인즈(Tony Rayns) 마스터 클래스(2017.10.12)

Mon, 23 Oct 2017 15:55:40 +0900

2017년 10월 11일 오후 1시 30분에 단국대 콘텐츠전문대학원 서관 기술시사실에서 토니 레인즈 마스터 클래스가 열렸다. 토니 레인즈는 런던에서 주로 활동하고 있는 영화 평론가이자 저술가, 영화 감독, 영화제 큐레이터로써 아시아 영화에 오랫동안 관심을 가지고 서구에 아시아 영화를 소개해왔다. 이번 마스터 클래스에서는 동남아시아를 대표하는 신세대 작가이자 2010년 칸국제영화제 황금종려상 수상작품인 "엉클 분미"를 연출한 태국의 아피찻퐁 위라세타쿤 감독의 독특한 작품세계에 대해서 토니 레인즈를 통해 알아보았다. 토니 레인즈는 아피찻퐁 감독을 발굴해 세계에 소개한 인물로 아피차퐁 위라세타쿤 감독이 영화를 만들어온 방식과 그의 영화 세계를 구성하고 있는 요소 등 다양한 이야기를 들려주었다.

아그네츠카 홀란드(Agnieszka Holland) 감독 마스터클래스(2017.06.04)

Mon, 05 Jun 2017 09:39:33 +0900

아그네츠카 홀란드 감독 마스터클래스 개최 ■ 일시 2017년 6월 4일 15:00 ■ 장소 메가박스 신촌 2017년 6월 4일(일) 메가박스 신촌점에서 단국대 영화콘텐츠전문대학원과 서울국제여성영화제의 공동주최로 아그네츠카 홀란드 마스터클래스가 열렸다. 본 마스터클래스에선 폴란드의 정치상황, 유대인 인종문제가 아그네츠가 홀란드의 영화세계 구축에 어떤 영향을 끼쳤는지에 대한 연대기적 고찰 후 2017년 베를린 국제영화제 은곰상 수상작인 <스푸어Spoor>의 여성 캐릭터의 구축, 실험적인 표현방식 등에 관한 흥미로운 질의응답이 오갔다. 특히 미국, 프랑스, 독일, 폴란드 및 영화와 TV 등 국적과 매체를 넘나드는 다양한 방식의 연출경험을 지닌 아그네츠가 홀란드는 다채로운 제작환경에서도 지켜가고 있는 기준점 및 노하우의 중요성을 강조했으며, 본교 재학생들 또한 이를 주의 깊게 경청했다.

마리스테판(Mary Stephen) 마스터 클래스 (2017.04.26)

Mon, 05 Jun 2017 09:36:51 +0900

마리 스테판 마스터클래스 개최 ■ 일시 2017년 4월 26일 13:30 ~ 17:30 ■ 장소 영화콘텐츠전문대학원 기술시사실 ■ 감독 소개 에릭 로메르 프랑수아 트뤼포, 장 뤽 고다르, 클로드 샤브롤 등과 함께 누벨바그의 대표 주자로 꼽혔던 에릭 로메르는 다른 누벨바그 감독들이 그랬던 것처럼 자신만의 길을 걸었다. 로메르는 평생에 걸쳐 연애 이야기를 간결한 스타일로 만들었지만 그 안을 들여다보면 우리가 삶에서 느낄 수 있는 모든 감정의 특징들이 골고루 섞여 있다. 그런 의미에서 로메르는 우리의 삶과 가장 닮은 영화를 만든 영화사적으로 특별한 감독이다. 마리 스테판 <겨울 이야기>(1992), <나무, 시장, 미디어테크>(1993), <파리의 랑데부>(1995), <여름 이야기>(1996), <가을 이야기>(1998), <영국 여인과 공작>(2001), <삼중 스파이>(2004), <로맨스>(2007) 등 1992년 이후 에릭 로메르의 모든 작품을 편집했다. 그 외에도 중국 6세대 감독인 리 양의 <블라인드 마운틴>(2007) 등 많은 작품을 편집했다. 1992 년 <겨울 이야기>를 시작으로 에릭 로메르 감독의 후반기 작품의 편집을 책임졌던 홍콩 출신 편집 기사 마리 스테판의 마스터클래스가 열렸다. 본 마스터클래스를 통해 에릭 로메르 소규모 작업방식의 배경 및 특징 그리고 편집을 통해 영화적 감흥을 강조하는 지점에 관해 공유하는 시간을 가졌다. 본교 학생들은 편집자가 바라 본 에릭 로메르의 작업방식에 관심을 기울여 여러 질문과 응답이 오갔으며, 마리 스테판은 아무리 뛰어난 연출자라도 편집에 있어서 자기 객관화가 어려울 수밖에 없는 한계점을 지적하며 외부 편집자의 필요성을 강조하기도 했다.

판당디(Phan Dang Di) 마스터 클래스 (2016.10.13)

Tue, 20 Dec 2016 11:34:13 +0900

지난 10월13일, 두 세션에 걸쳐 'Session1. 판당디 감독이 말하는 영화언어에 대한 자신의 생각, Session2. 베트남영화의 과거와 현재의 모습'이란 주제로 베트남 감독 판당디(Phan Dang Di)의 마스터 클래스가 진행되었다. 판당디(Phan Dang Di)감독은 데뷔작 로 2010년 칸국제영화제 비평가 주간 부문 SACD상(각본상)과 ACID/CCAS상(독립영화협회 배급지원상) 수상을 수상했으며, 이후 는 베를린국제영화제 경쟁부문 등 많은 영화제에 소개되었다. 베트남을 대표하는 젊은 영화감독으로 현재는 트란 안 홍 감독과 함께 국제적 영화행사인 AM(Autumn Meeting>의 디렉터로도 활동하고 있다. 이 날 마스터 클래스에선 사전시사를 통해 접할 수 있었던 판당디 감독의 와 두 편의 영화 영상클립을 보며 판당디 감독이 본인의 연출의도를 이야기해주는 형식으로 진행되었다. 또한 베트남영화의 현황과 가능성, 베트남의 영화제작환경, 표현의 자유와 검열 등에 관한 실질적인 이야기를 나누는 시간을 가졌다.

FLOYD BYARS 특강 (2016.10.12)

Tue, 20 Dec 2016 11:33:41 +0900

지난 10월 12일 '시나리오 작업의 다양한 접근 방식'이란 주제로 작가 FLOYD BYARS의 특강이 진행되었다. 헐리우드에서 활동하는 시나리오 작가, 소설가, 영화 프로듀서인 FLOYD BYARS는 예일대에서 영국문학을 전공하고 프랑스 파리에서 프랑스 문학을 공부했다. 이후 Maria’s Lovers, Desperately Seeking Susan, Making Mr. Right, Mindwalk, Masterminds, Compulsion 등 다수의 영화 시나리오를 집필하였으며, CSI :NY 를 비롯한 많은 티비 드라마를 집필했다. 또한 프로듀서로서 선댄스 영화제 및 런던영화제에서 작품상을 받기도 했으며, 현재 the Academy of Art in San Francisco 에서 Advanced Screenwriting to MFA 과정을 가르치고 있다. 이 날 특강에서는 미국 할리우드의 플롯팅에 대한 이야기를 나누며 전형적인 플롯에 얽매이기 보다는 시나리오 속 인물을 따라가는 방식이 더 유용하다는 말과 함께, 캐릭터 설정의 중요성과 캐릭터를 따라 뻗어나갈 수 있는 시나리오 세계에 대해 이야기했다.

VR영화 <자이언트(GIANT)>의 감독 밀리카 젝(Milica Zec) 특강(2016.10.11)

Tue, 20 Dec 2016 11:33:16 +0900

지난 10월11일, 부산 해운대구 창조경제혁신센터에선, '2016 선댄스영화제 뉴프론티어부문'에 상영된 VR영화 <자이언트(GIANT)>의 감독 밀리카 젝(Milica Zec)과 프로듀서 윈슬로 포터(Winslow Porter)의 특강이 진행되었다. <자이언트(GIANT)>가 소개된 선댄스영화제 뉴프론티어부문은 예술과 테크놀로지의 교차로에 있는 실험작들을 상영하는 섹션이다. 가로, 세로 5m 안팎의 어두운 방에서 HMD기기를 쓰고 관람하게 되는 이 영화는 가상현실을 영화적 기법으로 활용하는 ‘시네마틱 VR(Cinematic VR)’ 기술을 통해 분쟁지역의 참혹함을 생생하게 재현했다는 평가를 받고 있으며, 실제로 여러 제작사의 투자를 유치하기도 했다. VR국제포럼 내 마련된 이번 특강에선 VR영화가 관객에게 선사할 수 있는 몰입감과 실제적인 감상의 가능성, 컴퓨터그래픽과 실사촬영영상이 혼합된 VR영화제작과정, 앞으로 VR영화가 나아가야할 방향 등에 대해 실제적인 이야기를 들을 수 있었다.

김진아 감독 마스터클래스 (2016.10.10)

Tue, 20 Dec 2016 11:32:29 +0900

10월10일 부산 해운대구 창조경제혁신센터에서 오전 11시부터 약 두시간 가량 김진아감독의 마스터 클래스가 진행되었다. 김진아 감독의 2007년 <두번째 사랑>은 하정우와 <인 디 에어>로 아카데미상 조연 후보에 오른 베라 파미가가 주연한 최초의 한미합작영화로 선댄스 영화제 국내 경쟁부문에 진출했고, 프랑스 도빌 아메리칸 영화제에서 심사위원대상을 수상했다. 또한 2004년-7년에는 아시아 감독 최초로 하버드대학 시각예술학부 교수로 재직하며 영화제작과 이론을 가르쳤다. 2009년에는 장편 다큐멘터리 <서울의 얼굴>을 완성하여 베니스 영화제에서 상영했다. 동시에 제 57회 베니스 영화제 경쟁부문의 심사위원을 역임하였고, 2013년 완성된 양자경, 슈퍼주니어 M 헨리 주연의 장편극영화 <파이널 레시피>는 베를린 영화제 Culinary Cinema 부문 개막작으로 상영되었으며 2016년 8월26일 중국 3500개 이상 스크린에서 개봉했던 이력이 있다. 2016년 현재 UCLA 대학교 영화과 교수로 재직 중이며 헐리우드와 한국을 오가며 여전히 활발하게 활동 중이다. 이날 김진아감독은 본인의 실제 한미합작영화 제작경험을 토대로 우리나라와 외국의 영화제작환경의 차이와 그 사이에서 생겼던 어려움, 그리고 이에 대한 실질적인 해결방안 등을 이야기했으며, 그밖에도 당시의 실제 경험담과 함께 값진 조언을 엿들을 수 있었던 시간이었다.

페드로 코스타(Pedro Costa) 마스터 클래스 (2016.06.20)

Fri, 15 Jul 2016 09:36:46 +0900

페드로 코스타 (Pedro Costa) 1959년 리스본에서 태어났다. 역사학 공부를 포기하고 리스본국립영화학교에서 안토니오 레이스로부터 편집과 연출을 공부했다. 몇 편의 영화에서 조연출과 TV아동극 연출가로 경험을 쌓은 후, 1987년 첫 번째 단편영화를 연출한다. 첫 장편 〈피〉(1990)는 베니스영화제와 로테르담영화제 비평가 주간에 초청되어 주목을 받았고, 칸 영화제 상영작 〈용암의 집〉(1994)은 벨포르영화제에서 최우수외국영화상을 수상한다. 이후 작품들 역시 유수 영화제에서 상영, 수상했으며, 최근작 〈행진하는 청춘〉은 칸 영화제 경쟁 부분에 초청되었다. 수업 내용 0. 소개 페드로 코스타는 1959년 리스본에서 태어났다. 칸 영화제 상영작이자 벨포르 영화제 최우수외국영화상 수상작 <용암의 집>, 칸 영화제 경쟁 부분 초청작 <행진하는 청춘>, 사실적인 묘사의 <반다의 방>으로도 유명한 그는 젊은 시절 Ramones, Clash 등에 심취하며 씨네아스트 보다 뮤지션이 되고 싶었었다. 1974년, 40년간 이어졌던 독재정권이 타도되면서야 문화와 예술 양식을 접할 수 있었고, 리스본 국립 영화학교에 2년간 다니면서 영화의 기술적인 면에 흥미를 가졌으며, 졸업하지 못한 채 대규모 영화의 조감독을 맡게 되면서 경력을 쌓아나갔다. 이러한 경험을 겪은 뒤 전통적인(대규모의) 영화촬영 방식이 자신에게 맞지 않았고, 현실(진실)을 제대로 담지 못한다고 생각했으며, 폰타이냐스 사람들의 이야기를 듣고서 <반다의 방>과 같이 디지털 장비를 이용한 1인 제작 방식을 시도하게 되었다. 1. 픽션과 논픽션의 경계에 있는 영화를 연출하는 방식에 대해 (6기 임정은) - <반다의 방>은 명백한 픽션, 수없이 리허설을 반복해 만들어진 숏으로 구성되었다. 폰타이냐스 사람들, 특히 반다의 제안에 의해서 탄생된 영화였으며, 최초에는 반다의 집 만을 촬영하려 했으나 자연스럽게 폰타이냐스 마을 전체로 확대되었다. 픽션을 사용하여 만들어졌으나 그 픽션이 말하고 있는 것은 사실이다. (논픽션 메시지에 다가가기 위한 픽션의 사용했다.) 마을을 부수는 작업 역시 자신의 요청으로 조절하여 촬영되었고, 오히려 <행진하는 청춘>에 논픽션적인 요소가 많이 포함되었다. (감독의 영화 제작방식을 단적으로 보여주는 작품이다.) 그것은 소외된 집단에 대한 영화를 만들 때 필요한 접근 방법과 제작자의 자세이다. (즉 제작자가 자신의 삶을 통해 만들어내는 영화이다.) 2. <반다의 방>과 <행진하는 청춘>의 연기 연출에 대해 (6기 정대기) - 앞서 이야기한 바 대로 비전문 배우를 대상으로 수십 회에 가까운 반복 리허설을 진행되었다. <반다의 방>에서 여자 출연자들의 경우, 왠지 자신을 더 드러내 보이기 위해 노력하며, 남자 출연자들의 경우 의식적으로 과묵하고, 쿨하게 보이려 노력하는 모습이 보였다. 실제 본인들의 이야기를 하는 연기하는 것이기 때문에 몇가지 신경 쓴 것들이 있었다. (규칙적인 촬영 스케줄, 주인공 개인사정에 대한 배려했다.) 3. <반다의 방>의 촬영 방식에 대해 (5기 김원표) ① 픽스된 화면을 사용하는 이유는 - 카메라 무빙을 써야 할 이유가 없었고, 촬영 장소가 비좁고 협소했기 때문이다. (벽을 놓고 촬영한다 해도 벽이 변화하는 것이지 카메라가 변화할 필요는 없다?) ② 4:3 화면비 역시 - 자신이 다루는 소재(공동체와 구성원)와 어울리며, 감독 본인도 전통적인 스탠다드 필름의 비율에 익숙하다. 물론, 본인은 광활하고 스펙타클한 소재에 사용되는 비스타 비전, 시네마 스코프를 이용해 제작된 영화, 감독을 좋아한다. 4. 관객의 능동적인 감상을 지향하게 만든 작품인 것 같은데 (6기 곽으뜸) - 관객이 능동적으로 봐 주었으면 하는 마음이 있었다. 그리고 본인은 영화를 제작할 때, 예를 들어 반다의 방을 찍는다면 침대 위에 반다와 대화 상대, 그리고 관객의 자리를 마련해 놓는다는 생각을 가진다. 5. 오즈에게 받은 영향이 있다면 (6기 김윤하) - 오즈는 '인간'이라는 단순하지만 복잡한 소재를 다룬 훌륭한 감독이다. 그러한 일을 할 수 있는 영화 제작자는 많지 않으며 그를 좋아하는 동종업계 관계자들도 많다. 페드로 코스타 본인 역시 공동체와 구성원에 대한 이야기를 다루고 있다는 점에서 많은 부분을 참고했다. 6. <반다의 방>의 실제 같지만 계산된 듯한 사운드에 대해서 (5기 박규리) - 폰타이냐스 마을의 첫인상은 사운드과 굉장히 풍부하고, 가까운 곳에서 느껴진다는 것이었다. 이러한 인상을 영화에도 반영하기 위해 정해진 장면 촬영이 끝나면 추가로 엠비언스를 녹음했다. 7. 디지털 영화에 대한 관점 (5기 김원모) - 제작 방식과 규모의 변화가 가장 큰 차이점인데, 이것이 점차 내용에도 영향을 미치게 되었다. <반다의 방>의 예를 들자면, 수없이 반복된 레코딩 리허설을 할 수 있었던 이유도 그것이 디지털이었기에 가능했다.

드니 코테(Denis Cote) 마스터 클래스 (2016.05.07)

Fri, 15 Jul 2016 09:33:26 +0900

2005년 <방랑자>로 로카르노국제영화제 황금표범상 후 지난 11년간 10편의 장편과 12편의 단편을 만든 '드니 코테' 감독의 마스터클래스가 열렸다. 본교 학생들은 연출자로서 쉬지 않고 작품을 만들어 내는 원동력을 시작으로 여러 질문들을 통해 많은 것을 배울 수 있었다. 드니 코테 감독은 케나다 출신이지만 퀘백주 출신이라 영화에 영미문화와 프랑스문화가 혼재된 개념을 엿볼 수 있다. 구체적인 작품으로 , 에 관한 질문이 주를 이루었다. 특히 는 다큐멘터리로 출발해서 중간에 극영화로 넘어간다는 점에 대한 궁금증이 가장 컸다.

클레어 드니(Claire Denis) 마스터 클래스(2016.04.18)

Fri, 15 Jul 2016 09:34:17 +0900

감독 소개 1946년 파리에서 태어난 클레어 드니는 프랑스 고등영화연구소 (IDHEC)에서 영화를 전공하고 1971년 졸업하였다. 코스타 가브라스, 빔 벤더스, 짐 자무쉬의 조감독으로 일하였으며, 1987년 데뷔작 〈초컬릿〉으로 이듬해 칸영화제에 초청되면서 이름을 알리기 시작하였고, 1996년에 발표한 〈네네뜨와 보니〉는 로카르노영화제에서 황금표범상을 수상했다. <개입자(2004)>와 <백인의 것(2009)>으로 베니스국제영화제에서 대상을 두 번 수상했다. 지난 18일 경기도 판교 소재 경기혁신창조센터 9층 기가 홀에서 클레어 드니 감독의<개입자(2004)>와 <돌이킬 수 없는(2013)>을 중심으로 작품 세계에 관한 토론과 연출 마스터 클래스가 열렸다. 부산영화제에서 인연이 닿은 김동호 원장님이 직접 첫 시작을 알려주셨다. 이에 클레르 드니 감독은 <개입자들> 촬영 시 부산 조선소 장면 촬영, 위원장님이 직접 출연해주시는 등 많은 부분에서 도와 주신 것에 대해 감사를 표했다. 부산촬영 필름이 불에 소진 되어 부산 재촬영을 해야 됬을 때 등 부산, 그리고 김동호 위원장님과의 에피소드들을 이야기 해주면서 마스터클래스를 시작했다. 다음은 클레르 드니 감독 내용을 요약 정리한 것이다. 1. 필름 VS 디지털 내가 보여 주고 싶은 것은 인물의 내면이 보는 시점이다. 때문에 전부 35미리로 찍었지만 전부 다르게 보일 수도 있다. 특히 풍경에 따라 다르게 보인 것 같다. <개입자들>에서 타히티에서는 빛이 너무 강렬했다. 부산에서 찍은 조선소 장면 같은 경우에도 빛이 너무 달랐다. 그날 광이 좋긴 했지만 프랑스 겨울의 빛과는 느낌이 매우 달라서 좋았다. 10여년 전 당시 필름으로 촬영했는데, 폴리네시아 장면에서도 많은 것을 미리 준비해 갔지만 필름이 보여주는 화학적 반응은 예측불가능해서 자연스럽게 그 느낌을 다 담으려 했다. 필름 얘기가 나와서 말인데, 지금은 나도 디지털로 촬영을 하지만, 프랑스와 미국 내에서도 필름을 선호하는 팀이 있다. 열에 반응하는 피부의 느낌 등을 담을 때에는 다른 D.I 과정 없이도 아주 자연스럽게 보여 줄 수 있다. 촬영을 할 때 우선은 자연스러운 것을 보여주어야 하기 때문에 그런 순간들을 포착하고 싶다면 필름이 맞지 않나 싶다. 학생 여러분들이 만약에 디지털로만 작업을 하겠다고 하면 이미지로서의 텍스트에 익숙해져야 한다. 디지털은 필름에 비해 모두가 밋밋하다. 우연히 포착해 낼 수 있는 장면들을 담아낼 수가 없다. 물론 필름의 단점도 있다. 필름으로 금발의 여인의 얼굴을 촬영했을 때 얼굴에 불그스름한것들이 전부 보인다. 후반작업에서 다 지워야 한다. 이러한 단점들도 있다는 것도 염두해 두어야 한다. 2. 자주 쓰이는 클로즈업 내 영화에서는 클로즈업이 많이 쓰인다. 무조건 쓴다기 보다는 자전거 씬을 찍을 때 클로즈업으로 할 지 안 할지에 대한 고민이 있었다. 클로즈업이란 배우들에게 있어 내적 감정을 표현할 때 자유를 주는 것 같다. 내 느낌에 해당씬에서 클로즈업이 잘 어울린다면 그렇게 했다. 물론 자동차 씬 같은 경우 렉카를 사용하지 않고 차 안에서 찍어서 어쩔 수 없이 클로즈업이 되기도 헸지만 말이다. 영화에서 클로즈업은 퍼즐 조각을 이야기 한다고 생각한다. <돌이킬수 없는>에서 중요한 것은 라파엘이 발견하는 시계였다. 시계를 팔고보니 돈이 없다 궁한 것 같다는 생각이 들 수 있게 시계 클로즈업을 사용했다. 3. 여성감독으로서 영화를 찍는 다는 것, 남과 여를 구분 짓는 성이란 성이라는 것을 보여줄 때 다양한 요소들이 있다. 이야기 인물에 따라 달라진다. 남녀의 관계는 매우 다양하다. 우연을 통한 만남도 있고, 오랜 기다림을 보여주면서 이제서야 이러우지는 구라 라고 관객들이 느낄 때도 있다. 나의 영화에서, 나의 인생에서 남과 여라는 성적인 차이는 그렇게 중요하지 않다. 앞에 했던 클로즈업과 연관해서 보충설명을 하자면, 신체의 일부를 클로즈업 했을 경우 경찰이 보는 것과 의사가 보는 것이 다르다. 영화에 나오는 인물은 살아있는 스토리의 일부이다. 손이나 발, 머리카락을 통해 많은 이야기를 할 수 있다. 부분을 보여주었을 때, 그 사람을 알 수 있는 단서가 된다. 손을 보여주었을 때, 그 손이 나의 볼을 쓰다듬어 줄 수 있는 손일 수도, 누군가를 때리는 손이 될 수도 있다. 프랑스 한 가수의 노래가사 중에 ‘구두발로 한번 차고 쓰다듬고’ 라는 가사가 있다. 사랑하는 남녀의 관계를 표현했다고 본다. 싸우고 화해하고 남녀를 한 문장안에 잘 표했다고 본다. 욕망을 주체 못하고 어쩔 줄 몰라하는 남자의 심리가 잘 나타나 있다. 사실 영화라는 것이 인간 감정을 표현할 수 있는 특별한 콘텐츠 이다. 영화를 통해 심플하게 보여줄 수 있다고 생각한다. 4. <돌이킬 수 없는>에서 보면 여배우의 전라노풀 신이 있다. 이런 장면을 촬영할 때 현장에서는 어떤 소통이 필요한가 나의 입장에서는 보여주는 영화는 구체적인 것이다. 육체적, 구체적이다. 조각조각난 이야기를 하느냐라는 질문 같다. 조각조각난 이야기이기는 하지만 굉장히 구체적인 것이다. 한겨울 파리에서 맨몸으로 하혈하는 장면을 촬영하는데 배우가 매우 힘들어 하긴 했다. 사전에 아무도 살지 않는 거리라는 것을 확인하고 자동차를 통제했다. 스탭들과의 의사소통을 하지 못한다면 영화를 하면 안 된다. 감독을 하면 안 된다. 마지막 씬에서 아버지와 벌이는 정사씬 같은 경우 모든 스텝들을 다 버리고 감독과 배우 둘, 총 3명만 현장에 있었다. 이는 배우를 매우 존중해 주는 행위이다. 이런 존중이 없었다면 관능적일 수도 있었다. 5. 개입자들 같은 경우 상징성이 매우 많아 보인다. 서사적이고 상징적으로 보인다. 이 부분을 배우들도 이해를 하고 연기를 해야 했을 텐데 소통은 어떠했는가. 작업했던 배우들은 내 시나리오를 보면 다 이해를 했다. 그래서 딱히 설명할 것들이 없었다. 일반 영화에 익숙해진 질문자인 학생들이라 잘 모를 수도 있을 것 같다. 너희들이 인내심이 없었다. 뭔가를 빨리 캐치하려 하지마라. 너무 원초적인 자세를 지니지 마라. 라코스카 벽화를 보면 알 수 있다. 그림을 통해 의사소통을 하려 한다. 나체 여인이 나온다. 그것이 뜻하는 바가 무엇이겠는가. 감독이 되려 한다면 본인만의 언어를 찾아낼 필요가 있다. 6. 감독님 본인만의 영화 내러티브란? 이 영화 스토리는 철학자의 책에서 얻어 온 것이다. 그 분이 침입자라는 책을 썼는데, 심장이 아파서 새 심장을 이식을 했는데 그것이 옳은 결정이 아닌 것 같다. 그것이 이 영화의 출발이었다. 단지 환상에 불과했다고 생각한다. 심장은 동그랗다. 지구도 동그랗다. 거기서 부터 출발했다. 장기이식을 하게 될 경우 몸의 심한 거부 반응을 경험한다. 새로 얻은 장기는 잘 활동을 하게 되지만, 적응하기 위해 같이 동반되는 강력한 화학치료 때문에 나머지 몸과 마음은 황폐해져 간다. 이를 영화에서 응용했다. 여담이지만, 그 철학자가 데리다와 연결되는데, 해체주의, 난 그런 사람은 아니다. 해체로 인해 잃어버리는 것은 없다. 7. 영화들에서 주로 장면 뒤에 하나의 샷이 더 추가된다. 편집에서 일부러 그렇게 하는 건가 편집에 있어 어떤 기준이 없다. 음악 리듬에 맡긴다. 막상 찍고 나니 안 붙는게 있다. 편집이란 것은 감정의 연결, 리듬이 있어야 한다고 본다. 씬이 길고 짧은 것은 각자의 관점이다. 다음에 어떤 이미지가 올 것이라는 느낌이 온다. 길고 짧은 것 보다는 어떤 것이 와야 하는 가에 대한 문제이다. 침입자들은 굉장히 극단적인 영화이다. 흔히 생각하는 내러티브는 돌이킬 수 없는에 더 가깝다. 이는 조금 더 설명적이라고 할 수 있다. 시나리오를 쓸 때 외형이 이미 정해진다. 시나리오를 쓸 때 그 영화에 대해 이미 오는 것 같다. 폼, 형식을 잡고 쓰는 감독들도 있기는 하지만, 이미 시나리오 단계에서 편집이 다 들어 간다고 생각한다. 현장은 매우 빠르게 돌아가야 하기 때문이다. 시나리오 작업은 고독한 상상력이다. 개인적으로 꿈을 꾸는 듯한 작업 단계이다. 그에 반해 편집이란 시나리오 작업이 점점 커져서 많은 스탭들과 함께 하는 작업이다. 청명한 날씨 이었으면 하는 계획이었지만 날씨가 흐리다거나 갑자기 배우가 아프다는 등 시나리오 계획과는 다르게 돌발상황 을 통해 시나리오를 고칠 수 밖에 없는데 이는 시나리오의 새로운 단계라고 본다. 배우나 스텝을 좋아하게 되는 계기가 있다. 혼자 시나리오를 쓰고, 그 이후 이를 스텝들과 함께 할 때 굉장히 새로 다른 여행이 된다. 8. 음악이 보조적인 역할을 하는게 아니라 하나의 골조를 이루고 있다고 본다. 음악을 사용하는 방식에 기준이 있다면? 좋아하는 음악들을 쓰기는 한다. 음악이 가장 중요한 이유는 옆에서 나란히 걷는 것 같은 느낌이다. 나는 나와 주로 작업하는 음악감독이 있다. 그에게 영화를 보여주고 그가 해석하는 대로 음악을 맡겨버린다. 어쩔 때는 굉장히 다른 해석이 나와서 놀라기도 한다. 나와 작업하는 음악가는 음악이 있는 사운드가 있는 이미지 영화를 원한다. 9. 케릭터를 설정할 때 여자라서 여자를 만들 때 뭔가 더 특별한 것이 있는가? 없다 10. 유년기 시절 경험과 영화의 연관성이 있다면? 유년기 경험이 죽을 때까지 영향을 미치는 것은 맞다. 그러나 영화를 할 때마다 제3세계가 드러나는 것은 아니다. 그러한 경험은 단지 나를 형성하는 데 있을 뿐이다. 영화를 할 때는 영화하는 끌레르 드니 감독이 있을 뿐이다. 하나의 에피소드를 이야기 하자면 친척집에서 영화를 두 편을 본 적이 있다. 어릴 때 본 영화의 한 장면이 평생가는 시퀀스가 되었다. 그 영화를 통해 인간은 꼭 죽는 존재이구나를 느꼈다. 아주 어린 관객이었을 때조차도 영화를 보면서 이미지를 보면서 어떤 것을 느낄 수 있다는 것 그것이 영화 아닌가. 11. 개입자들을 통해 관객에게 전달하고자 했던 바는 무엇이었는가? 침입자라는 영화는 철학자의 책을 봤을 때 느낌을 그냥 내 느낌대로 각색을 한 것이다. 타히티 같은 경우 느낌, 감정이다. 상선을 타고 3개월을 돌아다녔다. 남태평양 섬들은 편한해 보이지만 혼자 있게 되면 굉장히 멜랑꼴리 해진다. 우수해 진다. 이는 매우 폭력적이고 거친 감정이다. 낭시의 텍스트를 영화인으로서 전하고 싶었다. 상상해 보라. 심장이 제 기능을 못해서 시한부 인생을 살아야 한다. 심장이 발견되었으니 빨리 와라 라고 했을 때. 심장이식에 대한 거부감 두려움이 있다. 심장의 철학적인 의미는 사랑이다. 과연 심장수술 이후에도 기존에 사랑이 지속될 수 있을까 라는 질문을 해볼 수 있다. 어쩌면 나에게 흑인여자의 심장을 이식했을 지도 모른다. 이것의 낭시의 책의 첫 문장이다. 세상이 아름답지 않다면 굳이 영화를 만들어야 하나? 라는 생각이 든다. 아름답다 예쁘다라고 하는 것은 늙어서도 예쁠 수 있다. 사람뿐만 아니라 정원의 울타리도 예쁠 수 있다.